Joan Yeguas
La exposición dedicada al pintor Luis de Morales tiene en nuestro museo la tercera y última parada de la itinerancia. Organizada en colaboración con el Museo Nacional del Prado y el Museo de Bellas Artes de Bilbao, donde ya se ha mostrado, permanecerá abierta en Barcelona hasta el 25 de septiembre de 2016.
En la rueda de prensa realizada en la capital de Vizcaya, Leticia Ruiz, conservadora del Museo Nacional del Prado y comisaria de la muestra, comentaba que Morales es un artista representativo de la pintura hispana del siglo XVI pero, hasta ahora, el pintor había sido estudiado de forma parcial y era casi un desconocido para el gran público.
¿Quién fue Luis de Morales?
Morales fue un pintor del siglo XVI natural del antiguo reino de Castilla, que desarrolló su actividad en Extremadura y sus alrededores (trabajó puntualmente en Castilla); también atendió encargos de clientes anónimos en Andalucía (especialmente Sevilla), en Castilla (sobre todo Zamora) y Portugal.
Luis de Morales. La Resurrección. ©Museo Nacional del Prado
En vida tuvo mucho éxito, y la fama permaneció después de su muerte, ya que Francisco Pacheco (1649) elogiaba su arte. Su pintura, realizada con una técnica delicada, se fundamentaba en un dibujo preciso y la presencia de unos colores metálicos con ecos manieristas. Los rostros son de facciones suaves y su piel es impoluta.
¿Por qué llamado “el Divino”?
Cualquier manual de marketing se refiere a la importancia que tiene el nombre para una empresa. Efectivamente, el nombre de Luis de Morales no es nada comercial. Otros artistas de la misma época, y de categoría similar, tienen un nombre menos común que el suyo y, simplemente por ese motivo, suenan más en el imaginario colectivo (pienso en Damià Forment o Juan de Juanes –que en realidad se llamaba Joan Vicent Macip–).
Morales, sin embargo, tiene otro hándicap, un sobrenombre de lo más ambiguo: “el Divino”. No era divino en la manera como Ludovico Ariosto y Giorgio Vasari hablaban de Miguel Ángel, quien con su creación artística parecía emular a Dios. La divinidad de Morales, tal y como dijo Antonio Palomino (1715-1724), se basa en que todo lo que pintó era de temática sacra. Este aspecto religioso se ha visto acentuado en el siglo XX por el uso y abuso de su obra en estampas, láminas y sellos, muy difundidos en el terreno popular.
Luis de Morales. Cristo presentado al pueblo. © Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
A pesar del discurso iconoclasta hacia las imágenes sagradas que actualmente impera en parte de la sociedad española, hay que contextualizar el fenómeno a partir del gusto de la clientela de la época del Renacimiento. El pintor hizo obras de gran sencillez y que incitaban a la veneración. Morales interpretaba sus pinturas de forma expresiva y profundamente dramática, otorgando una fuerte carga emocional a las actitudes de los personajes. Un tipo de devoción que estaba próxima a la espiritualidad que propugnaban místicos como fray Luis de Granada, y anticipaba las teorías de Gabriele Paleotti en el Discorso intorno alle immagini sacre e profane (1582), con las que pretendía que las obras de arte estimularan sentimientos de piedad en los espectadores.
Luis de Morales. La Piedad. Luis de Morales. © Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
Nutrió su poética a partir de la tradición flamenca y de modelos italianizantes –que visualizó sin viajar a Italia, a través de los grabados y de algunas obras que le llegaron–. Gran parte de su pintura versiona composiciones realizadas por otros maestros, lo que denota la gran información de que disponía sobre las novedades artísticas de aquella época. Sus obras reflejan el conocimiento de pinturas y grabados de artistas flamencos e italianos, así como de la obra de Alonso Berruguete.
Formatos y estilos
Morales pintó siempre sobre tabla, sobre todo de roble, pero también sobre nogal y castaño. Cultivó dos tipologías de obras: las de gran formato y las de pequeño.
Las de gran formato estaban concebidas para formar parte de retablos en el interior de iglesias, contienen episodios narrativos complejos, paisaje de fondo y muchos personajes. Las de pequeño formato están destinadas a funciones devotas en oratorios privados, pinturas para ser vistas de cerca que constan de una única tabla o un tríptico. En ellas aparecen los personajes imprescindibles (a menudo representados solo en busto) y los fondos están ennegrecidos. En estas pequeñas tablas, el tema principal es la ternura o el sufrimiento. La ternura está capitalizada por escenas de la Virgen con el Niño en todas las variantes posibles: la de la leche, la gitana o del sombrero, la que el Niño está escribiendo, la que el Niño lleva un huso o aspa, la que el Niño lleva un pajarito –concretamente una oropéndola–, o están acompañados por algún personaje de la sagrada familia.
Luis de Morales. La Virgen de la leche. ©Museo Nacional del Prado
El sufrimiento está protagonizado por la Pasión de Jesucristo –ya sea a través del Ecce Homo, el Cristo con la Cruz acuestas o la Piedad– o el martirio de algún santo. La iconografía se vuelve innovadora porque distorsiona las actitudes de las figuras, hasta hacer que expresen emociones intensas. Unos valores de gran calidad estética que enlazan con el discurso creativo del arte contemporáneo.
La exposición en el Museu Nacional consta de 54 obras, en su gran mayoría nunca vistas antes en Barcelona. Dos son del fondo del museo: un Ecce Homo y un Cristo con la Cruz. Esta última obra se guardaba en las reservas del museo desde hacía décadas, y con motivo de la muestra ha sido restaurada, estudiada y confrontada con el resto de la producción del pintor.
Imágenes de la inauguración de la exposición El Divino Morales. Museu Nacional d’Art de Catalunya. Fotos: Marta Mérida
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Catálogo de la exposición El Divino Morales
Conferencia: El Divino Morales. Historia de una exposición, vídeo, Museo Nacional del Prado, 1h 18min.
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