![\"\"](\"https:\/\/i0.wp.com\/blog.museunacional.cat\/wp-content\/uploads\/3715-001-scaled.jpg?ssl=1\")
<\/a><\/figure><\/div><\/a><\/figure><\/a><\/figure><\/div><\/div><\/div><\/div>\n\n\n\nIm\u00e1genes de la exposici\u00f3n. Fotos: Marta M\u00e9rida<\/p>\n\n\n\n
La exposici\u00f3n El latido de la naturaleza<\/a><\/em> se ha estructurado a partir de los distintos elementos surgidos de la relaci\u00f3n entre el artista y la naturaleza. El hilo conductor es la obra sobre papel, presente en los seis \u00e1mbitos expositivos en los que se agrupan las casi 80 piezas, que configuran un relato expositivo que se caracteriza por dar visibilidad a un conjunto bastante desconocido y que permite poner en valor la colecci\u00f3n del Gabinete de Dibujos y Grabados del Museu Nacional d\u2019Art de Catalunya. La selecci\u00f3n se completa y enriquece con un grupo de pinturas, todas propiedad del Museu Nacional, salvo cuatro que pertenecen al Museu d\u2019Art Jaume Morera<\/a> de Lleida y una quinta que se encuentra depositada en el Museo Mar\u00edtimo<\/a> de Barcelona.<\/p>\n\n\n\n El \u00e1lbum de artista<\/strong><\/p>\n\n\n\n El recorrido comienza con una selecci\u00f3n de un grupo de \u00e1lbumes que prefiguran algunos de los aspectos que conforman la identidad de las diversas \u00e1reas tem\u00e1ticas representadas en la muestra.<\/p>\n\n\n\n \u00c1lbumes de artista. Foto: Marta M\u00e9rida<\/p>\n\n\n\n Aunque de naturaleza y tipolog\u00eda diversa, este tipo de \u00e1lbumes a menudo estaban configurados por una serie de peque\u00f1as notas y esbozos que constitu\u00edan la g\u00e9nesis de alguna pintura realizada en el interior del taller del artista. Sin embargo, en otros casos, solo respond\u00edan a una pulsi\u00f3n art\u00edstica espor\u00e1dica o incluso serv\u00edan para reunir la producci\u00f3n propia, con voluntad coleccionista. En efecto, gran parte de estas obras conten\u00edan p\u00e1ginas llenas de dibujos \u00e1giles y espont\u00e1neos destinados a no trascender el entorno de su creador.<\/p>\n\n\n\n Se trataba de piezas personales, con una amplia variedad tipol\u00f3gica condicionada por los intereses del momento. En el caso de la representaci\u00f3n de la naturaleza, por un lado, encontramos la delicada minuciosidad de la obra Rosa laurel<\/a><\/em> de Alexandre de Riquer (1856-1920), en consonancia con el \u00e1mbito dedicado a las formas org\u00e1nicas. Por otro lado, la inmensidad de un horizonte inalcanzable, presente en Paisaje marroqu\u00ed<\/a><\/em>, de Mari\u00e0 Fortuny, nos aproxima a algo que veremos posteriormente en el \u00e1mbito dedicado a la fenomenolog\u00eda natural. La ruina como elemento recurrente del imaginario rom\u00e1ntico goza tambi\u00e9n de un espacio propio en la muestra, as\u00ed como de una adecuada prefiguraci\u00f3n en esta secci\u00f3n de \u00e1lbumes basada en las obras de Llu\u00eds Rigalt, Castillo de Centelles<\/a><\/em> y Castillo de Centellas<\/a><\/em>, quien se esmer\u00f3 en conservar sus dibujos de viajes por la geograf\u00eda catalana. Por \u00faltimo, los dibujos de Apel\u00b7les Mestres muestran la actitud del artista del siglo XIX ante la naturaleza, que genera un reencuentro con el entorno a partir de la contemplaci\u00f3n directa y el acto de creaci\u00f3n, y que confirma el perfil de una personalidad caracterizada por la asimilaci\u00f3n de todo tipo de influencias y por captar su entorno con una infinita inquietud.<\/p>\n\n\n\n Apel\u00b7les Mestres (Barcelona, 1854-1936). Fuente del cobre<\/a> \/ Hombre tumbado<\/a><\/em> (\u00c1lbum de temas diversos). 1880. L\u00e1piz grafito y acuarela sobre papel. 24 \u00d7 65 cm (\u00e1lbum obert). Museu Nacional d’Art de Catalunya<\/p>\n\n\n\n El fl\u00e2neur de la naturaleza<\/strong><\/p>\n\n\n\n Esta actitud inmersiva, de la que es deudora toda la muestra y que inspira todo su recorrido, es propia de la figura a la que se dedica el primer \u00e1mbito expositivo: el fl\u00e2neur<\/em> de la naturaleza. Este camina al aire libre, una pr\u00e1ctica gratificante en la que disfruta del ejercicio l\u00fadico de contemplar, embelesarse y detenerse donde le plazca. Del mismo modo que lo hace el fl\u00e2neur<\/em> de la ciudad, mantiene una actitud dispuesta a descubrir, en cada rinc\u00f3n del camino, el hallazgo inesperado, la epifan\u00eda del azar que lo asalta y le sirve para nutrir la sensibilidad art\u00edstica. Sin embargo, se aleja del ruido de la gran ciudad para sumergirse en la inmensidad de un entorno natural que le ayuda a formular ideas est\u00e9ticas y la correspondiente cristalizaci\u00f3n en composiciones destinadas a captar el latido de la naturaleza.<\/p>\n\n\n\n Pese a tratarse de un apunte de intencionalidad tan anecd\u00f3tica como divertida, la acuarela realizada por el arquitecto Josep Oriol Mestres (1815-1895) en la que aparece Claudi Lorenzale sobre un equino representa magistralmente las salidas a la naturaleza impulsadas por los artistas rom\u00e1nticos. En este sentido, se convierte en una imagen ic\u00f3nica de la aparici\u00f3n de una pr\u00e1ctica formativa, la del trabajo al aire libre, que se consolidar\u00e1, en el sistema acad\u00e9mico catal\u00e1n, a partir de la d\u00e9cada de 1850.<\/p>\n\n\n\n Josep Oriol Mestres (Barcelona, 1815-1895). Retrato de Claudi Lorenzale<\/a><\/em>. 1845. Aquarela y l\u00e1piz grafito sobre papel. 19 \u00d7 13 cm. Museu Nacional d’Art de Catalunya<\/p>\n\n\n\n Tambi\u00e9n encontramos dos obras destacadas de Jaume Morera i Gal\u00edcia que captan este impulso que lleva al hombre a descubrir las riquezas del mundo que lo rodea. El leridano ejemplifica el ideal del fl\u00e2neur<\/em> de la naturaleza, quiz\u00e1s incluso de forma m\u00e1s significativa que ning\u00fan otro artista presente en la muestra, dado que adopta una actitud de desaf\u00edo de los riesgos y las inclemencias clim\u00e1ticas. Sin embargo, su \u00edmpetu por representar lugares inaccesibles, esquivos y peligrosos lo sit\u00faa en una posici\u00f3n en que la pulsi\u00f3n art\u00edstica supera la propia autoprotecci\u00f3n. El pintor y su gu\u00eda<\/a><\/em> muestra la realidad de un horizonte nublado sobre un p\u00e1ramo desprovisto de arboledas. El terreno se convierte en una inc\u00f3gnita para el artista viajero, a\u00fan m\u00e1s acusada por la niebla que se deja entrever. Afortunadamente, este dispone de una figura auxiliar que lo acompa\u00f1a durante esta dura traves\u00eda; lejos queda la tranquilidad encorsetada entre los muros del taller. Casi como si se completara el trayecto descrito en la obra anterior, el lienzo Pe\u00f1alara (Sierra de Guadarrama)<\/a><\/em> presenta al artista en su destino. Estas dos piezas son tambi\u00e9n un homenaje a s\u00ed mismo y, por extensi\u00f3n, a esos artistas-viajeros m\u00e1s intr\u00e9pidos que no dudaban a la hora de adentrarse en parajes hostiles, resistiendo las inclemencias del tiempo y del entorno salvaje que los rodeaba. Se trata de creadores que permanecen impasibles frente al reto de proyectar una realidad que con su grandilocuencia los supera.<\/p>\n\n\n\n Los apuntes r\u00e1pidos de Ramon Mart\u00ed i Alsina tambi\u00e9n plasman esta realidad a partir del contacto directo y ponen de manifiesto la influencia del pensamiento positivista. Ausentes de ret\u00f3rica, en su visi\u00f3n marcadamente naturalista tambi\u00e9n encontramos la inmersi\u00f3n curiosa del hombre frente al medio. Se caracterizan por constituir una aproximaci\u00f3n muy directa, inmediata, espont\u00e1nea; unas notas que tendr\u00e1n una funci\u00f3n instrumental y que lo ayudar\u00e1n a superar la influencia escenogr\u00e1fica de sus predecesores y a adoptar un registro en la representaci\u00f3n del paisaje m\u00e1s veros\u00edmil y realista.<\/p>\n\n\n\n Formas org\u00e1nicas<\/strong><\/p>\n\n\n\n De menor a mayor, el siguiente apartado de la exposici\u00f3n muestra c\u00f3mo el proceso de creaci\u00f3n art\u00edstica requiere la citada observaci\u00f3n de cada uno de los elementos que acaban definiendo un espacio natural. Este an\u00e1lisis aproximativo mantiene lazos estrechos con el estudio cient\u00edfico, plasmando con el arte las imperfectas e impredecibles curvas de las formas org\u00e1nicas. M\u00e1s all\u00e1 de la singularidad de estas irregularidades, el artista es capaz de identificar los patrones comunes que definen a una especie. La representaci\u00f3n de estos arquetipos aparece a menudo relacionada con un determinado recurso art\u00edstico, ya sea en forma de punto, mancha o l\u00ednea. As\u00ed pues, cada uno de estos motivos org\u00e1nicos acaban convirti\u00e9ndose en los ingredientes que configuran un paisaje y que cada artista describe con su lenguaje personal. Este \u00e1mbito es uno de los que mejor refleja la dimensi\u00f3n evolutiva de la naturaleza, su capacidad de transformaci\u00f3n y su metamorfosis permanente en un sentido creativo, del que tambi\u00e9n participa toda la exposici\u00f3n.<\/p>\n\n\n\n Teresa Lostau (Barcelona, 1884-1923). Salicaria (flor silvestre). <\/em>Hacia 1921. L\u00e1piz grafito y acuarela sobre papel. 16,5 \u00d7 12,5 cm. Museu Nacional d’Art de Catalunya<\/p>\n\n\n\n A modo de ejemplo, podemos encontrar desde los severos dibujos de flores de Teresa Lostau (MNAC 107325-D, 107318-D, 107351-D), deudores de una aproximaci\u00f3n cercana a la bot\u00e1nica, con anotaciones de las especies en lat\u00edn, hasta el heterodoxo lenguaje colorista presente en la obra Oro y azur<\/a><\/em> de Joaquim Mir (1873-1940).<\/p>\n\n\n\n Joaquim Mir (Barcelona, 1873-1940). Oro y azur<\/a><\/em>. Hacia 1902. \u00d3leo sobre lienzo. 111 \u00d7 111 cm. Museu Nacional d’Art de Catalunya<\/p>\n\n\n\n La Caja-paleta de Mari\u00e0 Fortuny con paisaje<\/a><\/em> sintetiza buena parte de una expresi\u00f3n a lo largo de los \u00e1mbitos anteriores. En efecto, sobre un soporte auxiliar, seguramente utilizado durante algunas salidas al aire libre, el artista cre\u00f3 un peque\u00f1o paisaje a partir de \u00e1giles pinceladas. Estas \u00faltimas se entremezclan de forma org\u00e1nica con las manchas de pintura presentes en el mismo objeto, fruto de la misma actividad del pintor. El peque\u00f1o apunte que casi se vislumbra tambi\u00e9n prefigura buena parte de una exposici\u00f3n en el \u00e1mbito siguiente.<\/p>\n\n\n\n En este espacio tambi\u00e9n emerge con fuerza la voluntad creativa de determinados creadores, su repentino \u2014por inesperado\u2014 inter\u00e9s por la representaci\u00f3n de los fen\u00f3menos naturales. Se trata de un hallazgo inesperado que, en el caso de Fortuny, contribuye a superar las etiquetas reduccionistas, aquellas que le identifican como un pintor de casacas y orientalista. La exposici\u00f3n cuestiona este prejuicio y ayuda a vislumbrar la importancia que en su carrera art\u00edstica adquiri\u00f3 la tem\u00e1tica del paisaje.<\/p>\n\n\n\n Fen\u00f3menos atmosf\u00e9ricos y naturales<\/strong><\/p>\n\n\n\n Efectivamente, el siguiente apartado se dedica a la fenomenolog\u00eda atmosf\u00e9rica y natural. El enfrentamiento directo con la naturaleza a trav\u00e9s del plein air<\/em> situaba al artista frente a un n\u00famero infinito de variables generadas a partir de los diversos fen\u00f3menos atmosf\u00e9ricos y naturales. La fenomenolog\u00eda de los diferentes horizontes incide directamente en los \u00e1rboles, las rocas, los animales\u2026 y surge a trav\u00e9s de la luz la perfecta simbiosis entre el cielo y la tierra, si bien estos fen\u00f3menos son capaces de empeque\u00f1ecernos cuando se muestran con toda su rotundidad. As\u00ed pues, la fuerza de las tormentas cautiva al m\u00e1s valiente y la inacabable niebla sugiere un camino incierto, tan difuso y misterioso como el que se abre detr\u00e1s de la implacable y cegadora luz meridional. En el propio Fortuny encontramos el ejemplo m\u00e1s logrado de entre los que buscan reflejar esta luminosidad propia de las latitudes mediterr\u00e1neas. En este espacio descubrimos un gran n\u00famero de obras del reusense que proyectan amplias panor\u00e1micas de la costa norteafricana. La gran mayor\u00eda de estas piezas son acuarelas que sirvieron de estudios preparatorios para el lienzo La batalla de Tetu\u00e1n<\/a>.<\/em> La claridad abrumadora que descubri\u00f3 en \u00c1frica fue determinante para su arte, porque, si bien durante la etapa de formaci\u00f3n barcelonesa ya hab\u00eda trabajado al aire libre, la experiencia africana represent\u00f3 un punto de no retorno en su b\u00fasqueda permanente para encontrar una voz po\u00e9tica propia. Desde entonces, buscar\u00eda constantemente esta luz en sus viajes hacia parajes meridionales, alejados tambi\u00e9n de las obligaciones y el trasiego de Roma, donde resid\u00eda, ya fuera en el mismo Marruecos, en Granada o en Portici.<\/p>\n\n\n\n Mari\u00e0 Fortuny (Reus, 1838 \u2013 Roma, 1874). <\/em>Paisaje marroqu\u00ed. <\/em>Estudio para el cuadro \u00abLa batalla de Tetu\u00e1n<\/em><\/a>\u00bb. Hacia 1860-1862. Aquarela sobre papel. 50 \u00d7 60 cm. Museu Nacional d’Art de Catalunya<\/p>\n\n\n\n La cegadora luz mediterr\u00e1nea tambi\u00e9n est\u00e1 presente en el \u00f3leo Pavos (Sant Pol de Mar)<\/a><\/em> de Nicol\u00e1s Raurich. Los expeditivos toques con los que se define el plumaje de las aves recuerdan a los empleados por Fortuny para representar a las gallinas de la obra Herrador marroqu\u00ed<\/a><\/em>, si bien la claridad de la pared encalada es la gran protagonista de la obra. Su dominio se acent\u00faa a partir del gran grosor de carga pict\u00f3rica que caracteriza el estilo del artista. Este efecto mat\u00e9rico se convierte en un trompe-l\u2019oeil<\/em> accidental, que hace a\u00fan m\u00e1s veraz la representaci\u00f3n de la cal sobre el muro desnudo.<\/p>\n\n\n\n Nicolau Raurich (Barcelona, 1871-1945). Pavos (Sant Pol de Mar))<\/a><\/em>. Hacia 1912. \u00d3leo sobre lienzo adherido sobre madera. 54,5 \u00d7 53 cm. Museu Nacional d’Art de Catalunya<\/p>\n\n\n\n Regresando a una propiedad del dibujo, la serie de nubes de Joan Gonz\u00e1lez Pellicer (1868-1908) tambi\u00e9n atestigua una aproximaci\u00f3n a la naturaleza basada en un lenguaje con una marcada huella personal. En este caso, el barcelon\u00e9s opt\u00f3 por representar la sinuosidad de las nubes a partir de un marcado claroscuro, enfatizando la sinuosidad de las curvas, y realiz\u00f3 una serie que tuvo un cariz experimental. Tal como sucede en otras producciones de nubes presentes en la muestra, nos encontramos con uno de los motivos representativos m\u00e1s paradigm\u00e1ticos de la constante transformaci\u00f3n de la naturaleza. <\/p>\n\n\n\n Joan Gonz\u00e1lez (Barcelona, 1868-1908). Estudio de nubes. N\u00fam. 2.<\/em> Hacia 1904-1906. L\u00e1piz grafito y acuarela sobre papel. 23 \u00d7 29,5 cm. Museu Nacional d’Art de Catalunya<\/p>\n\n\n\n La imposibilidad de captar este elemento en constante movimiento evidencia una vez m\u00e1s las limitaciones del hombre, pero tambi\u00e9n de la condici\u00f3n intr\u00ednseca de la propia naturaleza. As\u00ed pues, el movimiento solo puede plasmarse a trav\u00e9s de los ingenios t\u00e9cnicos, es decir, la fotograf\u00eda. Sin embargo, la manifestaci\u00f3n art\u00edstica a trav\u00e9s del ejercicio y la pintura se convierte en un atractivo constructo que desaf\u00eda constantemente la retina del artista y agrupa las diferentes variaciones en cuerpos que, a pesar de su verosimilitud, nunca han existido. Esta paradoja es tambi\u00e9n especialmente evidente en el siguiente \u00e1mbito, en que el agua y, sobre todo, el mar son los protagonistas.<\/p>\n\n\n\n Tierra \u00faltima<\/strong><\/p>\n\n\n\n En efecto, el mar se convierte para el artista en un espacio tan indefinido como infinito. La ambigua lejan\u00eda del horizonte y la impenitente fuerza de sus aguas pueden atemorizar al m\u00e1s experto de los navegantes. Como bien hemos dicho, el mar presenta una variabilidad constante, imposible de captar a trav\u00e9s del l\u00e1piz y el pincel, con los que solo se puede plasmar una aproximaci\u00f3n atemporal. El entorno marino se define normalmente con su faceta m\u00e1s feroz. Sin embargo, tambi\u00e9n es habitual la representaci\u00f3n del intento humano por dominarlo, una victoria cotidiana solo entendida a partir de la larga tregua que nos ofrecen las aguas. <\/p>\n\n\n\n Los naufragios, la actividad tempestuosa, las visiones crepusculares y lunares, o la ferocidad de las olas son algunos de los motivos, de ascendencia rom\u00e1ntica, que desvelan el inter\u00e9s de los artistas que se encuentran representados en este espacio expositivo.<\/p>\n\n\n\n Dos obras de Jaume Morera muestran motivos diametralmente opuestos. Por un lado, Playa de Villerville (Normand\u00eda)<\/a><\/em> describe un mar que, pese a no mostrar una marcada agresividad, pone de manifiesto su fuerza a partir de los restos que ha arrastrado a la playa. La inquietante oscuridad del cielo no nos invita a meternos en el agua. Por el contrario, El Sena. Cercan\u00edas de El Havre, puerto de Rouen<\/a><\/em> es uno de los pocos casos presentes en El latido de la naturaleza<\/em> en los que se muestra un espacio natural aparentemente dominado por el hombre.<\/p>\n\n\n\n Otro caso destacado pertenece a la obra Marina<\/a><\/em>, del pintor Baldomer Galofre (1846-1902). La pieza muestra un mar en aparente calma, que se ve amenazado por una tormenta que se aproxima por la vertiente izquierda.<\/p>\n\n\n\n Baldomer Galofre (Reus, 1846 – Barcelona, 1902). Marina<\/a><\/em>. Hacia 1880-1886. Tinta, aguada y l\u00e1piz cont\u00e9 sobre paper. 48,3 \u00d7 64,8 cm. Museu Nacional d’Art de Catalunya<\/p>\n\n\n\n El reusense muestra recurrentemente peligros que acontecer\u00e1n, un tipo de insinuaciones que tambi\u00e9n pueden verse en la obra Paisaje<\/a><\/em>, presente en el \u00e1mbito anterior, en la que un tenue humo advierte de un futuro incendio. <\/p>\n\n\n\n La vertiente m\u00e1s intimidatoria del agua la podemos ver en otras obras, sobre todo en el lienzo de Joaquim Vayreda Marina (S\u00e8te, Languedoc)<\/a><\/em>. La marina muestra el salvaje dinamismo de las olas, que embisten a una peque\u00f1a embarcaci\u00f3n. Sabedores de que la situaci\u00f3n empeorar\u00e1, tal y como indica la progresi\u00f3n de la tormenta, los navegantes han optado por volver a la playa. Una segunda embarcaci\u00f3n se ha quedado rezagada al fondo y su regreso es todav\u00eda m\u00e1s urgente. Entre los elementos enterrados en la playa situada en primer t\u00e9rmino, parecen advertirse los restos de alg\u00fan naufragio pasado.<\/p>\n\n\n\n Joaquim Vayreda Vila (Girona, 1843 – Olot, 1894). Marina (Seta, Llenguadoc)<\/a><\/em>. Cap a 1873-1875. Oli sobre tela. 24 \u00d7 40 cm<\/p>\n\n\n\n La po\u00e9tica de la ruina<\/strong><\/p>\n\n\n\n La tenacidad del hombre, vinculada al anhelo de supervivencia y al in\u00fatil apego hacia su propia mortalidad, nunca es capaz de vencer al poder de la naturaleza que nos destruye por una desafortunada causalidad o, en el mejor de los casos, por la inevitable degradaci\u00f3n del tiempo. As\u00ed, el naufragio de las civilizaciones, de un pasado anhelado y, por extensi\u00f3n, de una juventud esplendorosa tambi\u00e9n aparece representado a trav\u00e9s del siguiente \u00e1mbito, dedicado a la nostalgia surgida de la ruina.<\/p>\n\n\n\n Con su poder evocador, la imagen de la ruina arquitect\u00f3nica se convirti\u00f3 en uno de los motivos m\u00e1s visitados por el imaginario art\u00edstico del siglo xix y se transform\u00f3 en un icono alusivo al sentimiento de la fragilidad de la condici\u00f3n humana. La visi\u00f3n de este elemento tambi\u00e9n contribuy\u00f3 a la aparici\u00f3n de una corriente est\u00e9tica en que la contemplaci\u00f3n de un pasado arquitect\u00f3nico esplendoroso, que hab\u00eda sido vencido por el poder destructivo de la naturaleza, abr\u00eda las puertas a un sentimiento de nostalgia, de una melancol\u00eda que pas\u00f3 a constituir uno de los rasgos distintivos del artista rom\u00e1ntico. La transformaci\u00f3n art\u00edstica de la ruina facilit\u00f3 la posibilidad de conciliar el arte y la naturaleza, congelando la acci\u00f3n del paso del tiempo.<\/p>\n\n\n\n Dos de las piezas m\u00e1s destacadas de este \u00e1mbito sirven para poner de manifiesto la evoluci\u00f3n de los lenguajes pict\u00f3ricos de la \u00e9poca. As\u00ed pues, el \u00f3leo de Llu\u00eds Rigalt Ruinas<\/a><\/em> muestra la capilla del castillo de Camarasa bajo una \u00f3ptica plenamente rom\u00e1ntica, con el incentivo de cierta sensibilidad patrimonial. En el caso de Ruinas del Palacio<\/a>,<\/em> de Ramon Mart\u00ed i Alsina, se abandona el artificio teatralizado en favor de una visi\u00f3n m\u00e1s veraz y que tambi\u00e9n pretende dar protagonismo al entorno natural, en este caso, las nubes.<\/p>\n\n\n\n Llu\u00eds Rigalt (Barcelona, 1814-1894). Ruinas<\/a><\/em>. 1865. \u00d3leo sobre lienzo. 102 \u00d7 155,5 cm \/ Ramon Mart\u00ed i Alsina (Barcelona, 1826-1894). Ruinas del Palacio<\/a><\/em>. 1859. \u00d3leo sobre lienzo. 70,5 \u00d7 123,5 cm. Museu Nacional d’Art de Catalunya<\/p>\n\n\n\n A diferencia de \u00e9pocas anteriores, en las que la mirada se centr\u00f3 en la representaci\u00f3n de las arquitecturas cl\u00e1sicas, motivada por el peso de la tradici\u00f3n y la conversi\u00f3n de Italia en el lugar de peregrinaci\u00f3n de los viajeros del Grand Tour<\/em>, \u00e1vidos por conocer la magnitud del legado patrimonial cl\u00e1sico, los artistas catalanes del xix dirigieron su observaci\u00f3n a una realidad mucho m\u00e1s cercana y convirtieron la ruina medieval en un signo de identidad de su esfuerzo por recuperar los vestigios de un patrimonio monumental que se encontraba disperso por la geograf\u00eda catalana.<\/p>\n\n\n\n El misterio y la fantas\u00eda<\/strong><\/p>\n\n\n\n Conclusivamente, el \u00faltimo \u00e1mbito de El latido de la naturaleza <\/em>tiene el misterio y la fantas\u00eda como protagonistas. La irradiaci\u00f3n de las ideas de la Ilustraci\u00f3n contribuy\u00f3 a percibir a la naturaleza como una concatenaci\u00f3n de fen\u00f3menos naturales insertados en una relaci\u00f3n de causalidad universal que les daba una explicaci\u00f3n racional. Junto a esa visi\u00f3n positivista, fundamentada en leyes naturales, muchos artistas exploraron las posibilidades art\u00edsticas, de tipo misterioso, que les ofrec\u00eda un entorno natural que se resist\u00eda a renunciar a su condici\u00f3n evolutiva. En las obras de muchos de ellos, la naturaleza fue interpretada no en clave fenom\u00e9nica, sino como el detonante de experiencias m\u00e1s vivenciales, dominadas por la imaginaci\u00f3n y la fantas\u00eda, con el \u00e1nimo de recuperar la unidad entre el hombre y la naturaleza que la raz\u00f3n hab\u00eda escindido. Entre los artistas con representaci\u00f3n, la figura de Eugenio Lucas Vel\u00e1zquez (1817-1870) sobresale como la m\u00e1s capaz a la hora de definir atm\u00f3sferas que evoquen estos factores.<\/p>\n\n\n\n Eugenio Lucas Vel\u00e1zquez (Madrid, 1817-1870). Capricho<\/em>. <\/a>Hacia 1860. Tinta y acuarela sobre cartulina. 50 \u00d7 40 cm. Museu Nacional d’Art de Catalunya<\/p>\n\n\n\n Pese a la evidente evocaci\u00f3n de la obra de Goya, Lucas, en su faceta de dibujante, fue capaz de crear un lenguaje aut\u00f3nomo con grandes dosis de originalidad surgidas de la experimentaci\u00f3n y del uso de la t\u00e9cnica de manchas aleatorias, muy representativa de una f\u00f3rmula habitual en la \u00e9poca, que se caracterizaba por jugar con el factor del azar y diseminar la materia pict\u00f3rica sobre el papel. En cualquier caso, la fuerza expresiva del lenguaje desarrollado por el madrile\u00f1o se caracteriza por la presencia de elementos desdibujados, ambiguamente situados entre la figuraci\u00f3n y la abstracci\u00f3n.<\/p>\n\n\n\n Eugenio Lucas Vel\u00e1zquez (Madrid, 1817-1870). Paisaje<\/em><\/a>. Hacia 1860. Aguada sobre papel. 40 \u00d7 50 cm. Museu Nacional d’Art de Catalunya<\/p>\n\n\n\n Concretamente, en el caso de los paisajes, se convierte en un reto para el espectador determinar con precisi\u00f3n la exactitud del perfil de las monta\u00f1as o del horizonte marino. Las masas formadas a partir de manchas crean un espacio din\u00e1mico y esquivo, ajeno a la s\u00f3lida quietud del instante definido.<\/p>\n\n\n\n El \u00faltimo artista para destacar en este \u00e1mbito es Antoni Fabr\u00e9s. Sus obras nocturnas nos introducen en espacios amenazantes y desconocidos. A pesar de esta aparente sobriedad, el graciense tambi\u00e9n se permite ironizar con la fijaci\u00f3n rom\u00e1ntica hacia alg\u00fan elemento desconocido. As\u00ed lo pone de manifiesto la expl\u00edcita referencia al gusto por el car\u00e1cter f\u00fanebre, presente en la obra Cementerio<\/a><\/em>. <\/p>\n\n\n\n Yendo m\u00e1s all\u00e1, Fabr\u00e9s caricaturiz\u00f3 el llamado mal de Werther<\/em>, es decir, la fascinaci\u00f3n surgida durante el Romanticismo por el suicidio, siguiendo, entre otros, el ejemplo de Las penas del joven Werther<\/em>, de Goethe, que en muchas ocasiones acababa derivando en la materializaci\u00f3n del fatal desenlace<\/p>\n\n\n\n Antoni Fabr\u00e9s (Barcelona, 1854 – Roma, 1938). Le lac de la mort<\/a><\/em>. Hacia 1900. Carboncillo y clari\u00f3n barnizado sobre papel. 80 \u00d7 60 cm. Museu Nacional d’Art de Catalunya<\/p>\n\n\n\n As\u00ed pues, de forma similar a la ic\u00f3nica obra S\u00e1tira del suicidio rom\u00e1ntico<\/a><\/em>, de Leonardo Alenza (1807-1845), Le lac de la mort<\/a><\/em>, de Fabr\u00e9s, ridiculiza esta fijaci\u00f3n desde el ideario rom\u00e1ntico hacia la propia muerte buscada. El pintor revisita algunos de los tradicionales t\u00f3picos visuales rom\u00e1nticos y, bajo la criba de la iron\u00eda, desvirt\u00faa su carga emocional y los transforma en ejercicios metapict\u00f3ricos en los que sobresalen un talento innato y un dominio t\u00e9cnico de un gran virtuosismo, en el que se observa la presencia de una capa de barniz que prefigura los famosos dibujos fritos de Nonell. En su caso, como en el de otros autores, como Baldomer Galofre, otro de los autores que ha representado un aut\u00e9ntico redescubrimiento, intuimos el contacto con la fotograf\u00eda, una m\u00e1s que probable utilizaci\u00f3n de esta t\u00e9cnica reproductiva con una funci\u00f3n de auxilio o de recurso instrumental que se dejar\u00eda sentir en muchas de sus producciones italianas, qui\u00e9n sabe si realizadas al amparo de su taller romano.<\/p>\n\n\n\n M\u00e1s all\u00e1 de esta pretendida causticidad, lo cierto es que el trabajo de Fabr\u00e9s presenta aqu\u00ed un lenguaje tan virtuoso como ambiguo, partiendo de una \u00f3ptica personal que nos describe paisajes atemporales. Estos \u00faltimos mantienen cierta irrealidad indefinida cercana al terreno de las insinuaciones. De hecho, la naturaleza, entendida como la totalidad de lo real, solo puede ser conocida y representada parcialmente. As\u00ed pues, el hombre sabe que el entorno en el que se encuentra supera sus capacidades, su temporalidad mortal y su entendimiento. Frente a esta verdad irrefutable, la pulsi\u00f3n art\u00edstica se aferra desesperadamente al f\u00fatil intento de captar el latido de la naturaleza.<\/p>\n\n\n\n Para saber m\u00e1s:<\/p>\n\n\n\n Francesc Qu\u00edlez y Aleix Roig Im\u00e1genes de la exposici\u00f3n. Fotos: Marta M\u00e9rida La exposici\u00f3n El latido de la naturaleza se ha estructurado a partir de los distintos elementos surgidos de la relaci\u00f3n entre el artista y la naturaleza. El hilo conductor es la obra sobre papel, presente en los seis \u00e1mbitos expositivos en los que…<\/p>\n","protected":false},"author":14,"featured_media":34111,"comment_status":"open","ping_status":"open","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"_jetpack_memberships_contains_paid_content":false,"footnotes":""},"categories":[14,19,3,41],"tags":[436,358,1836,1835,1757,1817],"class_list":["post-34069","post","type-post","status-publish","format-standard","has-post-thumbnail","hentry","category-coleccion","category-exposiciones","category-general-es","category-investigacion","tag-arte","tag-dibujo","tag-fenomenos-atmosfericos","tag-gabinete-de-dibujos-y-grabados","tag-meteorologia-2","tag-naturaleza","author-francesc-quilez"],"jetpack_featured_media_url":"https:\/\/blog.museunacional.cat\/wp-content\/uploads\/capcalera-20.jpg","jetpack_sharing_enabled":true,"jetpack_shortlink":"https:\/\/wp.me\/p4tWCI-8Rv","_links":{"self":[{"href":"https:\/\/blog.museunacional.cat\/es\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/34069","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/blog.museunacional.cat\/es\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/blog.museunacional.cat\/es\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/blog.museunacional.cat\/es\/wp-json\/wp\/v2\/users\/14"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/blog.museunacional.cat\/es\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=34069"}],"version-history":[{"count":9,"href":"https:\/\/blog.museunacional.cat\/es\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/34069\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":34115,"href":"https:\/\/blog.museunacional.cat\/es\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/34069\/revisions\/34115"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/blog.museunacional.cat\/es\/wp-json\/wp\/v2\/media\/34111"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/blog.museunacional.cat\/es\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=34069"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/blog.museunacional.cat\/es\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=34069"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/blog.museunacional.cat\/es\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=34069"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}<\/a><\/figure>\n\n\n\n<\/a><\/figure><\/div><\/a><\/figure><\/div><\/div><\/div><\/div>\n\n\n\n<\/a><\/figure>\n\n\n\n<\/figure>\n\n\n\n<\/a><\/figure>\n\n\n\n<\/a><\/figure>\n\n\n\n<\/a><\/figure>\n\n\n\n<\/a><\/figure>\n\n\n\n<\/a><\/figure>\n\n\n\n<\/a><\/figure>\n\n\n\n<\/a><\/figure><\/div><\/a><\/figure><\/div><\/div><\/div><\/div>\n\n\n\n<\/a><\/figure>\n\n\n\n<\/a><\/figure>\n\n\n\n<\/a><\/figure>\n\n\n\n